Leyendo estos días en el foro de la página web sobre “Rock progresivo” “Progressive ears” (Oídos progresivos) me topé con un tema muy interesante: el último disco de Thinking Plague, realizado en la compañía cuneiform, una de las compañías más interesantes de los últimos tiempos. El título del disco se llama Decline and Fall, y como el título indica y como viene siendo habitual en Thinking Plague hay un cierto ambiente pesimista en la música, si bien no siempre es así.
Lo interesante de ese post es que el propio Mike Johnson, guitarrista y cerebro de Thinking Plague ha respondido a varias preguntas de los propios miembros del foro e incluso ha comentado un poco su visión armónica-rítmica-tonal de la música y sus gustos musicales, en especial de principios del siglo XX. Desde sinfonías de Gustav Mahler a las de Dmitri Shostakovich pasando por William Schuman. De hecho el da una lista de nombres en los que introducirse en la música sinfónica de principios del siglo XX y que de alguna manera le han influido en la música que hace de Thinking Plague: Mahler, Ralph Vaughan-Williams, Samuel Barber, Aaron Copland, Leonard Bernstein, Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, el finlandés Einojuhani Rautavaara, Dmitri Shostakovich y Benjamin Britten.
Compositores como Messiaen, Takemitsu, Schnittke, Ligeti, Wourinen, Crumb son mencionados para escuchar más adelante, según el por la dificultad que tienen. También dice que no tiene mucho interés ni por el minimalismo ni por el serialismo, dos corrientes musicales muy en boga en la música clásica de finales del siglo XX, al menos desde los años 60 y 50 respectivamente.
Entonces de lo dicho por Mike Johnson y que, según sus propias palabras, es un compositor intuitivo que se guía por su oído y no por sistemas musicales, tenemos una música en Thinking Plague “politonal” (con varias tonalidades a la vez), “polimodal” (con varios modos a la vez) e incluso de tonalidad extendida, en el cual se puede partir de una tonalidad base y luego ir modulando hasta hacerla irreconocible o utilizar los recursos anteriores para “oscurecer” esa tonalidad. Esto coincide con lo que hablamos una vez con Ángel Óntalva, guitarrista de nuestro querido October Equus y ahora Ofir, que nos comentaba como el era un músico de rock (como también dice Mike Johnson), que el proceso es intuitivo, y que el empleaba escalas modales como la escala Lidia o la Mixolidia o escalas procedentes de la música de los Balcanes.
Todo lo dicho de que la música que se ha etiquetado como Rock en Oposición o RIO (Rock in Opposition) es atonal es simplemente falso. Quizás alguna composición de Henry Cow (me viene a la cabeza Erk Gah, escrito por Tim Hodgkinson, que es una composición dodecafónica aplicada a los instrumentos de Henry Cow) o algún momento serial de U Totem, por ejemplo en la canción “One Nail Draws Another”( hay un estudio al que no he tenido acceso en el cual se estudia los elementos tonales y seriales de la composición) son atonales, pero en general la música etiquetada como Rock en Oposición es modal, utiliza tonalidades extendidas o es politonal.
Podríamos decir que se acerca a una concepción casi neoclásica, en el sentido de que la politonalidad reinaba en compositores como Darius Milhaud, Francis Poulenc, Igor Stravinsky, con ciertas disonancias y planteamientos formales clásicos. Claro que también tenemos lo que nos decían otros compositores acerca de sus influencias, muy distintas a estas, por ejemplo Tim Hodgkinson con Messiaen y Bártok y que ha llegado a trabajar con Horatio Radulescu, Fred Frith con los anteriores mencionados pero también la escuela de Nueva York (Morton Feldman y John Cage) y guitarristas como Jimi Hendrix y John McLaughlin, Chris Cutler con ciertos procedimientos de Karlheinz Stockhausen, la música de Frank Zappa….En el grupo de Europa del Este, “Olive Mess” que se llamó así en honor al compositor francés “Olivier Messiaen” tiene como influencias a este propio compositor pero también a figuras del barroco francés como Lully. Además de tener guitarrista eléctrico (que toca sin púa como si fuera un guitarrista clásico) tienen también un guitarrista con guitarra barroca, anterior a nuestra querida guitarra clásica, y por lo tanto diferente.
Mike Johnson hablando de ciertas composiciones suyas y un poco de teoría musical:
“Intenta esto. Siéntate al piano o al sintetizador. Con tu mano derecha toca una serie de tríadas, comenzando con Re menor en estado fundamental, luego toca Si bemol menor en segunda inversión, después Mi menor en estado fundamental, luego sube a Do menor en segunda inversión, luego a Fa menor y así sucesivamente. Con la mano izquierda toca un Fa sostenido en cualquier registro, pero siempre más grave que la mano derecha. Este tipo de relaciones tonales es algo que utilizo a menudo y me gusta.
En Decline and Fall, la melodía inicial vocal de “Malthusian Dances” está en un Fa sostenido mixolidio (fa#, sol#, la#, si, do#, re#, mi …pero modificado) modificado, que se mueve por cuartas y hacia abajo por semitono. En la segunda canción “I Cannot Fly” la melodía inicial está en Sol Mayor, con alguna nota b2 y b5 (es decir La bemol y Re bemol). Esto se da sobre esta progresión armónica: Mi bemol 5, Mi menor, Fa menor, Fa sostenido 5( es decir es una progresión cromática ascendente de acordes) y todo sobre la nota pedal La en el bajo. (Como veis esto produce una cierta politonalidad y una disonancia fuerte con cierto acento de escala mayor “rara”).
“Sleeper Cell Anthem” comienza en Fa menor claramente, aunque hay momentos en los que se mueve de menor a mayor y viceversa. El bajo suele estar en otra tonalidad”.
En cambio con otra concepción tonal diferente y mucho más sencilla tenemos algunos trabajos de Sir John Tavener. Buscando en Internet información sobre el me encontré un artículo interesante en la página Music Oratio. Hablaba sobre el tema “Prayer of the Heart” que trata de la Oración de Jesús u Oración del Corazón (Jesús, ten piedad de mí..). Este tema es cantado en Inglés, Griego, Copto y Eslavo Antiguo en la versión original por la magistral y magnífica cantante islandesa Björk.
Pues bien, utiliza simplemente las tríadas mayores y menores en el cuarteto de cuerda mientras la cantante “recita” y “canta” la oración del corazón. Utiliza el ciclo de quintas, empieza en Do mayor y recorre las 12 tonalidades, y al finalizar el tema vuelve a Do mayor. Pero debido a ese pulso tan lento, que se oye como latidos del corazón, esa lentitud, esa “parada del tiempo” que ya he comentado otras veces, hace que se diluya cualquier expectativa tonal o de progresión tonal típica de los siglos XVII-XVIII y XIX. Además cada acorde es una escala. Entonces es una constante modulación.
Con este artículo pretendía mostraros diferentes maneras de utilizar la tonalidad o varias tonalidades en la “música moderna”, ya sea a través de un tipo de rock experimental o a través del minimalismo sacro.
No hay comentarios:
Publicar un comentario